Stellen Sie sich Wassily Kandinsky im Jahr 1908 vor, der sich im kleinen bayerischen Dorf Murnau aufhält. Vor ihm liegen Berge, ein Brauereiturm, Kirchen. Typische Motive für einen Maler. Doch in nur sechs Jahren werden diese Landschaften zum Laboratorium einer Revolution: dem Übergang von der Figuration zur lyrischen Abstraktion, dieser Malerei, bei der Formen und Farben für sich existieren, ohne mehr etwas von der sichtbaren Welt darzustellen.
Die figurativen Landschaftsbilder von Kandinsky: Murnau als Labor (1908-1910)
Alles beginnt mit einer Liebesbegegnung mit einem Ort. Kandinsky und seine Partnerin Gabriele Münter kaufen ein Haus in Murnau, das sogenannte Russenhaus. Umgeben von Künstlern wie Jawlensky und Werefkin malen sie fieberhaft die bayerischen Alpen. Betrachten Sie Murnau, Landschaft mit Brauereiturm (1908): Man erkennt den Brauereiturm Pantl deutlich. Aber schauen Sie sich die Farben an! Sie explodieren. Die Realität ist noch da, aber bereits transfiguriert.
Kandinsky entdeckt daraufhin die Glasmalereien der lokalen Handwerker. Diese bescheidenen, populären Dekorationen enthüllen ihm etwas Wesentliches: Farbe kann leuchten, vibrieren, unabhängig davon existieren, was sie eigentlich darstellen soll. Zwischen 1909 und 1913 fertigt er 33 unter Glas fixierte Arbeiten an (Quelle: Centre Pompidou) und eignet sich so diese traditionelle Technik an, um neue chromatische Gebiete zu erschließen.
Parallel dazu gründet er 1909 die Neue Künstlervereinigung München, eine Vereinigung von Künstlern, die nach künstlerischer Freiheit suchen. Das Klima ist aufgeregt. Nachdem er in Paris Matisse und Cézanne entdeckt hat, spürt Kandinsky, dass sich ein neuer Weg eröffnet. Seine Landschaften versuchen nicht mehr, die Natur zu kopieren, sondern die Emotionen zu übersetzen, die sie hervorruft.
Die Transformation der Kandinsky-Landschaften: Techniken der progressiven Destruktion
Wie gelangt man von einer figurativen Landschaft zu einer totalen Abstraktion? Nicht auf einmal. Kandinsky geht methodisch vor. Zuerst treibt er die Farben über das Realistische hinaus. Ein Baum wird leuchtend gelb, ein Berg violett. Dann vereinfacht er die Formen zu großen Farbflächen, die von schwarzen Konturen umrandet sind und an Buntglasfenster erinnern.
Betrachten Sie Romantische Landschaft (1911): Man kann noch Hügel erahnen, vielleicht einen Reiter. Aber das Wesentliche liegt anderswo. Was zählt, ist das Farbspiel zwischen den Farben, ihre eigene emotionale Kraft. Kandinsky befreit Linie und Farbe allmählich von ihrer beschreibenden Funktion. Schwarze Linien begrenzen keine Objekte mehr, sondern erzeugen Rhythmen. Farbkleckse schweben frei im Raum.
Zwischen 1910 und 1913 kommt es zu einer Offenbarung: "Das Objekt schadet seinen Bildern" (Quelle: Centre Pompidou). Die figurative Darstellung verhindert den direkten Ausdruck dessen, was er die "innere Notwendigkeit" nennt. Die Landschaften werden dann zu Vorwänden, zu Ausgangspunkten für etwas anderes. Diese schrittweise Transformation ist strategisch: Kandinsky baut Stein für Stein den Weg zur Abstraktion, ohne sein Publikum dabei zu verlieren.
Die drei Kategorien von Landschaften bei Kandinsky: Impressionen, Improvisationen und Kompositionen
Als begeisterter Musiker ordnet Kandinsky seine Werke ab 1910 wie musikalische Stücke an. Er etabliert drei Kategorien, die seinen Ansatz strukturieren:
- Die Impressionen haben noch einen Fuß in der Realität. Man erkennt eine Landschaft, eine Kirche, Berge. Aber bereits ist der Stil frei, ausdrucksstark
- Die Improvisationen befreien das Unbewusste. Es ist die reine Emotion, die den Pinsel führt, wie ein Musiker improvisiert. In
(1910) scheinen die Formen zu tanzen, sich aufzulösen - Die Kompositionen krönen das Ganze. Sorgfältig durchdacht, von Studien vorausgesetzt, synthetisieren sie die äußere Welt und das innere Universum. Zwischen 1910 und 1939 wird Kandinsky nur zehn davon malen (Quelle: Centre Pompidou), da ihre Ausarbeitung so komplex ist
Diese Klassifizierung ist nicht nur ein theoretisches Werkzeug. Sie ermöglicht es Kandinsky, seinen Fortschritt zur
Von 1908 bis 1914 ist diese münchener Periode von unglaublicher Fruchtbarkeit. Bis der Erste Weltkrieg diesen Schwung bricht. Kandinsky, russischer Staatsbürger, muss Deutschland verlassen. Diese außergewöhnliche kreative Pause dauerte sechs Jahre. Sechs Jahre, die die Geschichte der Kunst verändern.
1912 markiert den endgültigen Übergang. Die
Im Gegensatz zur später entstehenden geometrischen Abstraktion bleibt Kandinskys Abstraktion emotional aufgeladen. Jede Farbe vermittelt ein Gefühl: Tiefblau ruft Spiritualität oder Melancholie hervor, Gelb strahlt Energie aus, Schwarz erzeugt dramatische Spannungen. Eine wahre emotionale Farbgrammatik.
1912 teorisiert Kandinsky diesen Ansatz in
Selbst später, wenn er am Bauhaus (1922-1933) unterrichtet und geometrischere Formen annimmt, bleibt etwas bestehen. Eine emotionale Vibration, die auf die
Die Demonstration von Kandinsky öffnet ein riesiges Tor: eine Landschaft kann ohne Gegenständlichkeit existieren. Es genügt, wenn Farben und Formen ein Gefühl der Natur, eine Emotion angesichts der Welt hervorrufen. Es entsteht abstrakte Landschaftsbildnerei, ein Begriff, der diese abstrakten Gemälde bezeichnet, in denen die Natur durch Gefühl statt durch Darstellung in die Szene eindringt.
Alfred Manessier beispielsweise verlässt die Gegenständlichkeit, nachdem er die Gezeitenabdrücke in der Bucht von Somme betrachtet hat. Zao Wou-Ki schöpft aus einem unbewussten Gedächtnis chinesischer Landschaften. Alle erben von Kandinsky. 1947 formalisiert die Ausstellung "L'Imaginaire" die französische lyrische Abstraktion (Quelle: Wikipedia), die direkt von seiner Intuition inspiriert ist. Auf der anderen Seite des Atlantiks wird die amerikanische abstrakte Expressionismus einen ähnlichen Weg einschlagen.
Auch heute noch wird diese Suche fortgesetzt. Zeitgenössische Künstler erforschen, wie man die Emotion einer Landschaft übersetzen kann, ohne sie darzustellen. Um diese modernen Kreationen zu entdecken, die das kandinsky'sche Erbe fortsetzen, bieten Landschaftsgemälde zeitgenössischer Künstler einen Überblick über diese immer noch lebendige Suche.
Letztendlich beweist Kandinsky etwas Wesentliches: Gegenständlichkeit und Abstraktion schließen sich nicht aus. Es sind zwei verschiedene Sprachen, um dasselbe zu sagen - die Emotion angesichts der Welt. Landschaften werden zu Gemütszuständen, zu chromatischen Symphonien. Und irgendwo in diesen Wirbeln reiner Farben hallt noch der Widerhall der Berge von Murnau wider.
FAQ: Die Landschaften von Kandinsky
Welches Werk markiert den Übergang von Kandinsky zur Abstraktion?
Die Aquarellmalerei von 1910, lange Zeit als sein erstes abstraktes Werk angesehen, markiert symbolisch diesen Übergang. Der Übergang vollzieht sich jedoch allmählich zwischen 1910 und 1913, mit Werken wie Romantische Landschaft (1911) und Komposition VII (1913), die die Entwicklung hin zu einer vollständigen lyrischen Abstraktion zeigen.
Warum hat Kandinsky seine Werke in Impressionen, Improvisationen und Kompositionen eingeteilt?
Kandinsky, der ein leidenschaftlicher Musikliebhaber ist, etabliert diese Klassifizierung, um verschiedene Grade der Spontaneität und Ausarbeitung widerzuspiegeln, genau wie in der Musik. Impressionen behalten einen Bezug zur sichtbaren Natur, Improvisationen drücken das Unbewusste aus, und Kompositionen - die ausgereiftesten - synthetisieren diese beiden Dimensionen langfristig.
Wie hat Murnau den Stil von Kandinsky beeinflusst?
Dieses bayerische Dorf bietet Kandinsky zwischen 1908 und 1914 ein kreatives Labor. Die alpine Landschaften, die Glasmalerei vor Ort und die Zusammenarbeit mit anderen Künstlern wie Gabriele Münter lösen seine künstlerische Revolution aus. In Murnau entdeckt er, dass Farbe unabhängig von ihrem Gegenstand existieren kann, was den Weg zur Abstraktion ebnet.
